Simone艺术可以是宏观概念也可以是个体现象，通过捕捉与挖掘、感受与分析、整合与运用（形体的组合过程、生物的生命过程、故事的发展过程）通过感受（看、听、嗅、触碰）得到的形式展示出来的阶段性结果。
表达形式：语言、声音、文字、绘画、眼神、呼吸、肢体等。
艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。无论艺术的审美创造抑或审美接受，都需要通过主体一定的感官去感受和传达并引发相应的审美经验。对艺术的审美分类，主要应根据主体的审美感受、知觉方式来进行。依据这个原则，艺术可以分为造型艺术、表演艺术、综合艺术和语言艺术四大类。
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直观性是视觉艺术最基本的审美特征。视觉所直接感知的，是直观的形状、色彩（或色调）和质感（质地或体量）及其构成关系。因此，在视觉艺术中，无论是平面（绘画、书法与摄影）还是立体（雕塑、建筑）的造型，都十分重视形式美规律的运用，多样统一、对称、均衡、对比、和谐以及图与底的关系等，都是构成视觉艺术审美特性的重要因素。
在视觉艺术中，形式源码和内容、形象与意味以各种方式表现出来，构成了视觉艺术无比丰富的审美魅力。例如，基于对生命运动变化和不同质感或量感的高度概括能力，线条可以产生直接的审美感染力，不同的线条则能给人不同的审美感雹枯哪受，因败亩此，线条不仅成为绘画的主要语言要素，也是其他视觉艺术的重要语言。
色彩具有影响人的情感的功能，它也是视觉艺术的主要审美要素，不同的色彩配置或色调能使人产生不同的情感倾向，获得视觉快感并体悟其表现意义。
(一)绘画和雕塑
绘画和雕塑都主要运用形、色、质以及点、线、面、体等造型手段构成一定的艺术形象。前者是在二维平面上表现，后者则在三维空间中塑造，造型性是它们最重要的审美特征。
由于表现手段不同，绘画种类非常丰富，而写实与表现是两种最主要的方式。写实性绘画直接模仿自然和现实事物形象，多用逼真的手段达到特定的具象效果；表现性绘画侧重强调主观精神，多采取夸张、变形、象征、抽象等手法直接表达主体情感体验与审美需要，实现艺术形象的创造。
例如，中国画的特色不仅在于其工具材料（毛笔、宣纸、墨色）有着很大的特殊性，更重要的，是它高度重视抒发主体的内在精神，强调“以形写神”、“神形兼备”，追求气韵、传神和意境，不是向着客观世界去研究形象的物质特性，而是为着心灵需要去触及绘画的形象性，含蓄、深沉地表现主体精神品质，由此形成中国画独特的审美意蕴。
（二）建筑
建筑是一种具有象征性的视觉艺术，它“一般只能用外在环境中的东西去暗示移植到它里面去的意义”，“创造出一种外在形状只能以象征方式去暗示意义的作品”①。
建筑充分体现了功用和审美、技术与艺术的有机结合。尽管各种建筑的形式、用途各不相同，但它们总体上都体现了古罗马建筑学家维特鲁威(Vitruvius)所强调的“实用、坚固、美观”的原则，总是力图展现各种基本自然力的形式、人类的精神与智慧。也就是说，建筑在具备实用功能（可以供人居住等）的同时，有其一定的审美功能特性。
它通过形体结构、空间组合、装饰手法等，形成有节奏的抽象形式美来激发人在观照过程中的审美联想，从而造成种种特定的审美体验。如中国古代宫殿的方正严谨、中轴对称，使人感觉整齐肃穆；哥特式教堂一层高似一层的尖顶、昂然高耸的塔楼，则令人有向上飞腾之感。
北京的天坛、埃及的金字塔、法国的巴黎圣母院、澳大利亚的悉尼歌剧院等等，都以风格特异的抽象造型，给人以独特的审美感受和启迪。随着当代人类对生态环境的自觉意识的日益提高，建筑与环境的和谐也越来越成为人类的迫切需求，蓝天、绿地、水面、林荫使人们对建筑的视觉审美扩展到了一个更大的范围。
建筑也是时代文化精神的一面镜子，犹如用石头写成的历史。雨果在《巴黎圣母院》里谈到大教堂时，就曾经指出：“这是一种时间体系。每一个时间的波浪都增加它的砂层，每一代人都堆积这些沉淀在这个建筑物上”。
面对各式各样的建筑，人们不仅能够欣赏它的造型之美，而且可以从中认识和感受历史的风貌、时代的变迁、民族的精神和文化的创造。古希腊建筑的庄严与优美，哥特式建筑的挺拔高耸，洛可可建筑的华丽风格，现代建筑光滑平薄的立面，后现代建筑充满隐喻的变形、分裂、夸张的装饰，都相当准确地反映了各个历史阶段的时代文化精神面貌，反映出不同历史时期人们的审美趣味。
（三）书法
书法作为一门独特的中国艺术，是从实用升华而来的。它利用毛笔和宣纸的特殊性，通过汉字的点画线条，在字体造型的组合运动与人的情感之间建立起一种同构对应的审美关系，使一个个汉字仿佛具有了生命，体现出书法家的精神气质与审美追求。“中国的书法，是节奏化了的自然，表达着深一层的对生命形象的构思，成为反映生命的艺术。”
原始艺术与现代艺术
原始艺术具有生硬性、纯真性、力感性和野性，这既是因为原始价值关系通常是低级、粗浅、简单、直接和本能的，又是因为当时人的认识能力非常有限，只能采用粗浅、简单、直接和机械的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。
现代艺术具有高级性、细腻性、复杂性和理智性，这既是因为现代的价值关系通常是高级、深刻和复杂的，又是因为人们的认识能力不断提高，可以采用高级、深刻、复杂和辩证的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。
现实主义与浪漫主义
现实主义就是以事物的存在状态为基本视点，来观察和分析事物的运动与发展变化的规律；浪漫主义就是以事物的联系状态为基本视点，来分析观察和事物的运动与发展变化规律。这两者有着不同的侧重点：前者重视现实状态，后者重视联系状态。
现实主义通常着眼于事物的具体性和特殊性，只能认识具体的、个别的事物，不能认识抽象的、普遍的事物。
浪漫主义通常着眼于事物的抽象性和普遍性，并对事物进行抽象和归纳处理，各种浪漫主义艺术形象具有一定程度的自主性和随意性，它撇开现实生活的具体形式、具体内容，而不受具体逻辑条件的约束，把一些粗俗的、低级的东西忽略掉，揭示人类心灵深处最深刻和最富暗示性的东西，使艺术创作变成一种创造性的冒险历程。
在原始社会，人的生存完全依赖于自然环境，人只能被动地适应世界，人的价值关系是简单而稳定的，只需要通过直观感觉就可以反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的存在状态为基本视点的现实主义。
随着社会生产力的发展，人对于自然环境的直接依赖性逐渐减弱，人不仅能主动地适应世界，而且能积极地改造世界，人的价值关系发展成为复杂的、多变的价值关系，需要通过逻辑思维才能准确地反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的联系状态为基本视点的浪漫主义。
当社会处于快速发展状态时，人的价值关系也处于快速发展之中，这时浪漫艺术较为流行；当社会处于相对稳定状态时，人的价值关系也处于相对稳定之中，这时现实主义艺术较为流行。不过，艺术的发展与它所反映的价值关系的发展往往是不同步的，通常要滞后一段时间，因此艺术的思潮和流派通常要相对滞后于它所反映的价值关系的发展步伐。
样式主义
早期文艺复兴和盛期的艺术家从自然观察和图案科学的仔细研究中发展了他们典型的风格。当样式主义在1520年（这年拉斐尔去世）成熟时，所有具象派的问题都已解决。一系列的知识重新被学习。样式主义艺术家将艺术看作是他们的老师而不是自然。一方面，文艺复兴时期的艺术家从自然中寻找自己的风格，另一方面，样式主义者首次寻找一种风格和一种方法。
就样式主义绘画而言，构图可以没有焦点，空间可以是模糊的，人物的特点是具有运动的弯曲和具有扭曲、夸张的扭转，肢体弹性伸长；一只手摆出奇异的姿势，而另一只手摆出优雅的姿势；一贯小而椭圆形的头。
这种构成充满了色彩冲突，不像我们在盛期文艺复兴看到的平衡自然和丰富的颜色。样式主义的艺术作品旨在寻求不稳定和骚动，同样也有对包含挑逗意味倾向的寓言的偏好。
参考资料：百度百科-艺术
